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Aquí está la versión sin editar de mi reseña de Up In the Air que se publicó hoy en El Nuevo Día y www.endi.com

Reseña de Up in The Air
Por
Juanma Fernández-París

Up in the Air, producción de Paramount Pictures estrenó esta semana en Puerto Rico, cuenta con muchos placeres cinematográficos. Entre ellos George Clooney en una de las mejores actuaciones de su carrera, una mezcla agradable y sofisticada de drama y comedia; y una historia que resulta apropiada para esta época donde “crisis económica” es parte de nuestro vocabulario diario.

Sin embargo, en semanas recientes el filme ha recibido una avalancha de galardones, coronándolo el mejor filme del año. Esto resulta curioso, dado a que los placeres que ofrece este filme no son particularmente nuevos al medios y definitivamente simple en su puesta en escena.

El reconocimiento de este filme tiene que ver más con el tipo de película que representa que con cuales han sido la mejores representaciones del medio del 2009. Este el tipo de filme que hace cuarenta años atrás los estudios de Hollywoo producían todo el tiempo. En el 2009, la inteligencia sofisticada de este filme y su honestidad emocional lo convierten en un animal en peligro de extinción. Así que la reacción de los críticos y los expertos es una forma de exigir, y tratar de garantizar, que este tipo de filme continúe llegando a los cines.

Aún con todo esto a su favor, resulta difícil de descartar que en cualquier otro momento este filme sería uno más. Visto como un vehículo para demostrar el talento infinito de George Clooney como estrella de cine y como actor, el filme se convierte en una experiencia memorable. Al igual que Will Smith, Clooney es uno de los pocos intérpretes que con cada filme logra explotar las cualidades que lo convirtieron en estrella de cine a la misma vez que expande su alcance como actor.

En este filme el actor interpreta Ryan Binghan, un hombre que ha creado una rutina de vida que literalmente le permite flotar por encima de cualquier responsabilidad o necesidad emocional. Cuando comienza el filme, el protagonista está más que satisfecho con su vida, la cual consiste de viajar por todo el país para ser la persona que le toca indicarle a un empleado privado que su último día de trabajo a llegado. A pesar de ser un trabajo difícil, Ryan se ha acostumbrado a los beneficios prácticos de no tener que estar atado a ninguna responsabilidad en su vida personal. Sin embargo, un cambio abrupto en la política de su compañía obliga al protagonista a evaluar la esencia de su trabajo y lo que en realidad quiere en su vida.

Gran parte de la magia de este filme es ver como George Clooney comienza el filme con todo el glamour estético de una estrella de cine y luego lentamente va revelando las necesidades del personaje hasta que queda reducido a un mortal vulnerable como el resto de nosotros. Afortunadamente, el guión y la dirección del filme, a cargo de Jason Reitman (Juno) garantizan que Clooney no sea el único actor que logre sacudir las emociones del público. Tanto Anna Kendric, como una novata que quiere cambiar el método de operación de la compañía, como Vera Farmiga, una profesional que parece ser la versión femenina de Ryan, logran perderse en la piel y el alma de los personajes que están interpretando.

Sin embargo, después de tener un filme que vibra con emociones genuinas, Reitman socava sus logros con un tercer acto que recurre a manipulaciones que buscan enseñarle una lección inconclusa al personaje principal. Este aterrizaje forzoso no destruye los logros del filme, pero si logra minimizar su impacto.

Aquí está la versión sin editar de mi reseña de Los Abrazos Rotos que se publicó hoy en El Nuevo Día y www.endi.com

Reseña de Los Abrazos Rotos
Por
Juanma Fernández-París

“Las películas hay que terminarlas, aunque sea a ciegas.” Esa frase clave la dice el cineasta que protagonista Los Abrazos Rotos, el nuevo filme de Pedro Almodóvar que estrena hoy en Puerto Rico. Y si hay algo que este filme una vez más reconfirma es que Almodóvar no está ciego ni a su talento ni a las posibilidades infinitas que tiene el cine como medio artístico.

Aún cuando sus filmes son socavados por elementos melodramáticos superfluos (Volver) o descarrilados por preocupaciones egocéntricas (La Mala Educación) las películas de Almodóvar siguen siendo obras ejemplares de un maestro del séptimo arte. Afortunadamente para los amantes del medio y del director, Los Abrazos Rotos marca el regreso del director a la opulencia magistral que ha destacado sus mejores filmes (Mujeres al Borde de Un Ataque de Nervios, Todo Sobre Mi Madre, Hable Con Ella).

Con este filme Almodóvar continua evidenciando y explorando su pasión por el cine, expandiendo el horizonte histriónico de Penélope Cruz y rindiéndole tributo a su fascinación particular con Alfred Hitchcock. La sutileza con lo que el director maneja todos estos elementos y los entrelaza en un rompecabezas dramático es la mejor cualidad del filme.

Como suele suceder con las buenas películas, mientras menos se diga de la trama mejor es la experiencia del espectador que se sienta a verla. Lo que si se puede decir es que el filme alterna entre el presente y el pasado de Harry Caine, un director que quedó ciego en un accidente de carro que no le permitió terminar su última película. Desde ese momento el protagonista se ha dedicado ha tratar de escribir guiones comerciales. Cuando una figura de su pasado reaparece inesperadamente, el protagonista se ve obligado a volver a vivir los eventos que llevaron al accidente que le cambió la vida.

Aunque la figura central del filme es un director (herramienta que le permite a Almodóvar de jugar con la noción de los alter egos), su musa artística sigue siendo Penélope Cruz. En este filme el personaje de la actriz no tiene el arco dramático de su rol en Volver, pero su interpretación, como la actriz que descarrila la visión del director al entablar una relación con el, es igual de acertada y honesta. Entre este filme y su participación en Nine, la actriz definitivamente está en la época dorada de su carrera de su filmografía.

A pesar de que esta colaboración de Cruz con Almodóvar es una experiencia cinematográfica gozosa, el director no puede evitar poner en despliegue sus puntos débiles. En esta ocasión estos llegan en la forma de un personaje homosexual que, aunque clave para los virajes de la trama, no deja de ser una caricatura mal trazada en un filme donde solo hay espacio para seres humanos multidimensionales. Y de la misma forma que la fijación de Almodóvar por los clásicos de Hitchcock lo lleva a construir secuencias que roban el aliento, el otro lado de la moneda es que el guión se apoya de escenas que dependen completamente de monólogos cargados de exposición.

Aún con estos tropiezos el filme no deja de ser una joya cinematográfica que funciona como una carta de amor para todos los que se apasionan por el cine.

Aqui está la versión sin editar de la Reseña de Nine que se publicó hoy en El Nuevo Día.

Reseña de Nine
Por
Juanma Fernández-París

Resulta irónico pero el peor obstáculo que enfrenta Nine, el Nuevo largometraje de The Weinstein Company, es el pedigrí con el que llega esta adaptación del musical de Broadway a la pantalla grande. Tener a Rob Marshall dirigiendo su primer musical desde Chicago con un elenco encabezado por Daniel Day Lewis, Sophia Loren, Judi Dench, Nicole Kidman, Marion Cotillard, Penélope Cruz y Kate Hudson crea expectativas que son imposibles de satisfacer. Desafortunadamente a esto se le añade que a pesar de todo el talento en pantalla, Nine es un musical que tiene sus mejores momentos cuando no hay números musicales.

Resulta extremadamente difícil explicar porque lo que debió ser una producción espectacular termina siendo un filme promedio que solo deslumbra en algunos de los números musicales. Pero, parte del problema del filme está atada a la temática central de la trama, un director mujeriego tienen una crisis existencial que no le permite hacer su próxima película, y en la selección de Day Lewis como el actor que le da vida a Guido Contini, figura que representó a Federico Fellini en 8 1/2 (la versión original de esta historia).

En la adaptación de ese filme para Broadway, Raul Julia y Antonio Banderas presentaron al personaje como un hombre inmaduro que fue consumido por tener un apetito voraz por todo lo que le da placer. Sin embargo, en las manos de Daniel Day Lewis Guido se convierte en una figura de tortura existencial y eso no es mejor recurso para construir un musical.

De la misma forma, el recurso cinematográfico (cada vez que hay un número musical estamos en la cabeza del protagonista) que Rob Marshall explotó al máximo en Chicago no funciona con esta historia. Como consecuencia de esto la trama real y el mundo musical chocan de forma accidentada y nunca se entrelazan de una forma que justifique el que esta historia se haya convertido en un musical.

Aunque la melancolía existencial de Guido domina el filme, las mujeres se roban el show. Los números musicales no funcionan para contar la historia pero si sirven para resaltar en talento de las actrices que las interpretan. De las féminas las más destacadas son Penélope Cruz, como la amante que se niega aceptar su rol, Nicole Kidman, como la actriz que inspira las visiones cinematográficas de Guido, y Marion Cotillard, como la esposa que queda ahogada en las neurosis del protagonista. Aún así tanto Judy Dench como Kate Hudson sorprenden con su talento natural para el género musical de la misma forma que Fergie demuestra potencial como actriz.

A pesar de todo este talento que brilla en pantalla, con el glamour de Italia al principio de los sesenta, resulta un verdadero misterio porque Nine no logra deslumbrar.

This a junket that I would have loved to participate in, but alas our market is not considered big enough. In any case here are the EPK snd bites from my favorite performers in this movie musical which opens today in Puerto Rico.

So next year Jennifer Lopez returns to the big screen after having her kids and I have to ask: Does anybody care? Was anybody really missing J-Lo on screen? I have to admit I wasn’t and that I would wish she would focus on projects that require her to act instead of star vehicles that feature scene where a woman has to beg her gay friend to be her “baby daddy” Take a look and tell me what you think!

I have to say, I’m absolutely loving this trailer. Not because it squashes my fears that this sequel will be terrible but because it gives nothing away!

The only info it gives is this: its been two years, lots of things have happened and the women go on a trip. That’s it. Love it! How about you? Do you enjoy the tease or do you like to see the whole movie in the trailer?

Here is the link to Confirmed news reports. But I can not express my sadness and disbelief. I hope she rests in peace.

Can you be married to a Golden Globe Winner and not know what a Golden Globe is? If my brief London encounter with Guy Ritchie is evidence of anything is that this strange thing can actually happen. How come? Well I’ll tell you all about it!

I was waiting to finish my day of TV interviews for the Sherlock Holmes junkett in London when the hallway of the hotel came alive with unsuspected energy. Susan Downey, producer and wife to the star of Sherlock Holmes, was on her phone with a big smile on her face. She had just found out her hubby got nominated fot Best Actor for Holmes. Next came Joel Silver who almost bounce off the walls when he found out but it only took him 10 seconds to ask “Did we get anything else?” Next came the honoree himself who seemed truly surprised and happy to get the news.
10 minute into this weird hollywood moment, Guy Ritchie came to begin his second rounds of interviews, me being the first one after lunch, he didn’t pay much attention to the fuss in the hallway and with a bored stroll walk into his room.

Five minutes later I was sitting across from him and before we starter to roll I told him how weird it was to be with all of them when they found out about Robert’s nomination. And then with a straight face the man who fathered Madonna’s only biological son asked me “Is that a big deal?” I did a tripple take and then said “The nomination?”
“Yes, is it good for the film?” I scanned his eyes for a trace of sarcasm, irony or any indication that he was pulling my leg. I found none, I cleared my throat and said (TAKE NOTE MEMBERS OF THE HOLLYWOOD FOREIGN PRESS)”Well it means your film will get more positive attention”. Ritchie pondered this for a second, looked at his assistance who smiled, shrugged his shoulders and began the interview.

Is this some sort of arrogant ignorance you may be asking? To tell you the truth I don’t think so. The day before Ritchie admitted in a press conference that this film was his first experience with anything Hollywood. It just may be that all those years making independent movies in England kept him busy enough to have no idea what kind of spin the Golden Globes puts on the winter movie season. What do you thin? Think he was putting me on?

While I wait for your comments I’ll take time to imagine a conversation that will never happen.

Ritchie takes out his mobile and call his ex “Hey, Honey! I finally know what that shiny thing that said Best Actress Evita is! Yeah! You know you really shouldn’t be using it for a doorstop.”

Aquí está en link de miENTREVISTA CON HUGH GRANT que se publicó hoy en El Nuevo Día y en www.endi.com

The same week that James Cameron unleashes one of the best movies of the year, and definitely the decade, Rolling Stone magazine publishes an article on the Avatar director where the creator of the Terminator admits to being bullied by jocks when he was in school. Cameron pushed around!? Sounds kind of impossible but I guess he had a lot of last laughs.

Here are the geek’s, um, I mean the directors interviews from the EPK