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Aquí está el link de mi reseña de An Education que se publicó hoy en El Nuevo Día y en www.endi.com

Por razones de espacio la versión publicada es breve. Aquí está la versión sin editar.

Reseña de An Education
Por
Juanma Fernández-París

El título de An Education, largometraje de Sony Picture Classics que estrena esta semana en Puerto Rico, es completamente literal. El filme presenta la historia de cómo una joven británica a principios de la década de los sesenta aprende una serie de lecciones de vida cuando comienza un romance con un hombre en su tercera década de vida. Aunque este tipo de trama aparente ser trillada o predecible, a cambio de estas lecciones el público recibe la oportunidad de ver una jornada compleja y completa de un personaje femenino novedoso y algunas de las mejores actuaciones del año.

Aunque en los meses recientes tanto los críticos como el resto de los medios de comunicación en masa se han cansado de comparar a Carey Mulligan (quien interpreta a Jenny la protagonista del filme) con Audrey Hepburn, pero esta comparación obvia no le hace justicia al trabajo de la actriz. El trabajo de la intérprete en este rol es superlativo, pero parte de lo que le da su lustre, que probablemente la lleve a una nominación al Oscar, es la magia particular que se da en pantalla cuando el público descubre a una actriz que definitivamente podría convertirse en una estrella de cine

Afortunadamente, Mulligan no es la única integrante del elenco que tiene la oportunidad de brillar. Como el padre de Jenni que está obsesionado con que su hija vaya a la Universidad de Oxford, Alfred Molina entrega una interpretación impecable. Mucho más que la protagonista, el actor tiene el reto de cargar con los cambios de tono, de comedia a drama y viceversa, del filme. De la misma forma, Rosemund Pike, interpretando a una de las amistades del interés romántico de la protagonista, logra algo parecía imposible: darle un viraje nuevo al estereotipo de la rubia boba. Aunque estos son los intérpretes secundarios que más sobresalen, esto no excluye que actrices del calibre de Emma Thompson y Olivia Williams tengan la oportunidad de brillar como dos de la figuras femeninas claves en la vida de Jenni.

A pesar de todos estos logros histriónicos, este largometraje es mucho más que un vehículo de actores. Uno de sus mayores logros es como el libreto aprovecha la sociedad británica de la época para replantear interrogantes que todavía son vigentes. ¿Cuál es el verdadero valor de una mujer en la sociedad? ¿En donde reside su poder? ¿Hay la posibilidad de tener un romance idílico sin tener que hacer sacrificios?

Gran parte del atractivo del filme es que no ofrece contestaciones en bandejas de plata y deja que el personaje central llegue a sus conclusiones sin tener que dar el monólogo de la lección aprendida al final del filme. Precisamente por esto es que las fallas en la última sección del filme resultan curiosas. Después de hacer un estudio complejo de la educación de su protagonista, el filme resume su proceso de entender sus lecciones demasiado rápido. Esto no le resta al impacto general del filme, pero si demuestra lo agradable que fue compartir “el proceso de educación” de este personaje.

Esta es la versión sin editar de mi reseña de Kabo y Platón, película puertorriqueña que se estrena esta semana, que se publicará mañana en El Nuevo Día y www.endi.com

Reseña de Kabo y Platón
Por
Juanma Fernández-París

De la misma forma que cuando la primera versión de Scarface (1932) tuvo que sufrir comparaciones a The Public Enemy (1931), el filme de gangster de mayor impacto hasta aquel momento, el punto de referencia para Kabo y Platón, independientemente de que sea justo o no, va a ser Talento de Barrio. Ambos filmes ocupan el espacio del drama urbano y cuentan con protagonistas que tratan de escapar las trabas de su realidad social a través de la música, específicamente el género del reggeaton. Afortunadamente, los elementos en común entre los filmes se quedan ahí.

Como producción Talento de Barrio contaba con una sola herramienta efectiva, el voltaje y el carisma de Daddy Yankee como intérprete. Kabo y Platón contará con actores desconocidos en sus roles protagónicos pero la producción de Propaganda Films los ha rodeado con un valor de producción de primera. Aún cuando el guión y el montaje dramático de la historia flaquea (lo cual sucede en pocas ocasiones), el temple de la dirección y la agilidad del lenguaje audiovisual del filme nunca deja de ser rica ni de estimular al espectador.

Vale la pena mencionar que lo que carecen los intérpretes centrales (Aramis Benítez y Albert Torres)en fama, es más que compensado en su naturalidad y efectividad como actores. Esto resulta crucial considerando que la efectividad de la trama del filme reside en ellos. El filme comienza retratando el entorno social que va a llevar a los personajes a tomar decisiones que le crean conflictos. Kabo (Benítez( ha sido marcado por el asesinato de su hermano mayor y es consumido por los sentimientos conflictivos que siente hacia su madre, quien está más preocupada por complacer a su parejo que en las necesidades de su hijo. Platón (Torres) tiene que balancear sus arranques de creatividad para escribir con la realidad de que es el único que puede hacerse cargo de su abuela, cuya salud se ha ido deteriorando.

Para ambos jóvenes la única posibilidad de una vida mejor es tener éxito en el mundo de la música como interpretes de hip hop y reggaeton. En la búsqueda de ese sueño los protagonistas se ven obligados ha recibir la ayuda de Kilate (Aurelio Lima), el cabecilla del barrio que se ha convertido en un hombre de negocios al controlar como es que se distribuye las drogas. Esta alianza trae consecuencias mortales para los protagonistas que los obliga a revaluar sus prioridades y el precio que tienen que pagar para realizar su sueño.

Aunque la propuesta visual del filme deja claro que la producción busca la desnudez social de un filme como City of God, el desarrollo dramático lo acerca más a un filme como Boys in the Hood, que en su momento retrató con honestidad emocional la realidad social de sus personajes. Todos los departamentos claves de este filme (el elenco, la dirección, la fotografía, etc.) cumplen con este objetivo. Aún así el filme cuenta con ciertos tropiezos que son resultado directo de la edición, la tercera vez que se escribe la historia de un filme. Esto resulta particularmente frustrante considerando el talento evidente que hubo en las primeras dos veces, el guión y la dirección, que se construyó la historia.

En varias ocasiones durante el filme la trama frena para que la pantalla quede apoderada del equivalente de un video clip del género en que los protagonistas quieren triunfar. Aunque en algunas ocasiones esto es efectivo, la mayoría de las veces esto parece corresponder más a una preocupación de la producción por el potencial comercial del filme, que en una convicción en que es la mejor forma de contar la historia. De la misma forma, la edición no permite que las historias secundarias del filme queden entrelazadas efectivamente con el drama central.

A pesar de estas limitaciones, el filme honra con estilo el género en el cual ha posicionado la historia de sus protagonistas y más importante aún, su efectividad emocional le da fuerza al retrato que presenta de varias realidades de la sociedad puertorriqueña contemporánea. Esto es un antídoto necesario para filmes como Feel The Noise, producciones estadounidenses que explotan nuestra cultura a la misma vez que la trivializan.

Finalmente, a pesar de que nos prohibieron la proyección de prensa aqui esta el link de Mi Reseña de The Men Who Stare At Goats que fue publicada hoy en El Nuevo Día y www.endi.com

Felicitaciones a todos los técnicos y al equipo de producción local que trabajaron en este filme. ¿Quieren saber quienes son? Puedes quédense a ver los créditos al final!!!

Esta es mi reseña de New Moon sin editar que será publicada mañana en El Nuevo Día.

Reseña de New Moon
Por
Juanma Fernández-París

No importa que hayan hombres lobos y vampiros, la esencia de la “Saga de Twilight”, es la historia de un amor imposible entre dos jóvenes. En el primer filme, Bella y Edward tienen que enfrentar su primer obstáculo: que a pesar de sus sentimientos románticos hacia ella, el primer instinto de Edward es querer consumir la sangre de su amada.

En New Moon, la primera secuela de losa novelas de Stephany Meyers, Bella y Edward enfrentan obstáculos aún más complejos: ¿Cómo va a sobrevivir su relación mientras ella siga siendo humana y el inmortal?

Como los protagonistas resuelven esto es la trama central de este filme que a pesar de ser una variación del mismo concepto, el verdadero amor enfrenta muchos obstáculos y los sobrevive todos, resulta ser una oferta cinematográfica superior al primer filme. Esto es resultado del excelente trabajo del elenco y de la nueva energía que trae la dirección de Chris Weitz (The Golden Compass, About a Boy).

En las novelas de Meyers el romance de los protagonistas siempre peca de usar los clichés clásicos de un melodrama, el contexto fantástico es lo que le da su voltaje de energía novedosa. Al igual que en el primer filme las interpretaciones de Kristen Stewart y Robert Pattinson elevan este material dándole peso emocional a situaciones dramáticas que en manos de otros intérpretes serían risibles.

Del elenco secundario, Taylor Lautner logra superar la presencia imponente de sus músculos y abdominales para hacerle justicia al personaje de Jacob, quien al igual que Bella no puede evitar enamorarse de una persona que lo va a hacer sufrir. Y en solo una escena Michael Sheen (Frost/Nixon, The Queen) y Dakota Fanning se roban el show como vampiros de los Volturi, un clan con un régimen nutricional mucho más violento que el de los Cullen.

Además de la calidad de las actuaciones, este filme supera al anterior por el enfoque de la dirección. Twilight parecía estar embriagado en la química de los protagonistas y perdía fuerza en las secuencias de tensión. A pesar de tener retos narrativos más difíciles, considerando que la protagonista del filme esta deprimida por gran parte del filme cuando su vampiro predilecto decide terminar su relación, la dirección de Weitz balancea con efectividad todos los elementos claves de la fórmula de las novelas de Meyers a la misma vez que le da un voltaje de energía a las escenas que hacen buen uso de tener vampiros y hombres lobos como figuras claves de la trama.

A pesar de todas estas cualidades positivas, para poder recomendar este filme el espectador tiene que tener una conexión emocional con los problemas de los protagonistas, algo que pudo haber sucedido con la lectura de las novelas o con haber visto y disfrutado del primer filme. Aquellos que vayan esperando un filme de suspenso atmosférico que genera tensión a través de los códigos de horror que utiliza se encontrarán con un filme que los dejará defraudados. Con colmillos o sin colmillos los problemas de Bella y Edward nunca superan las complicaciones de un dramón de dimensión humana.

Aquí está el link de Mi Reseña de Extract que se publcó en El Nuevo Día y en www.endi.com

Aqui esta el link de mi Reseña de Planet 51 que se publicó en El Nuevo Día y www.endi.com

Before I say anything about the movie, which I watched last night along with a huge mass of screaming teenage girls, I have to let you know that out of the four Twilight books, New Moon is my least favorite. So with that in mind, take this as you will. New Moon the movie is a great screen adaptation and a much better movie than the first Twilight.

Even though the new director does a fantastic job-making the movie much more visually exciting than the first one ever was-the main reason for this is the cast. They all do an excellent job, particularly Kristen Stewart who makes Bella a likable heroine as oppose to the tortured zap that Meyers wrote in the first to books. I can also say that Dakota Fanning rocks as Jane a key member of the Volturi, a vampire clan that as Edward puts it “are the closest thing we have to royalty”.
Even though the movie has a lot of positive things to offer is still a conservative melodrama disguised as a gothic romance. Those uninformed moviegoers looking for echoes of the Underworld Werewolves vs Vampires action thrills will be sorely disappointed. The rest of the public can get ready to be divided into Team Jacob or Team Edward again and love every minute of it.

Check back tomorrow for the full review of the film! Meanwhile here’s another tease:

Today El Nuevo Día published My Review of 2012.

Take a look at the undedited version:

Reseña de 2012
Por
Juanma Fernández-París

Los Ángeles- Si 2012, el nuevo filme de Roland Emmerich (Day After Tomorrow, Independence Day), es evidencia de algo es que el director ha diseñado una producción que no pueda ser superada en el género de las películas de desastres.

Durante sus casi tres horas de duración el filme, que estrena hoy en Puerto Rico, funciona como una compilación de éxitos de este tipo de películas. En la película hay terremotos, erupciones de volcanes, olas gigantescas y múltiples otras destrucciones masivas que son llevadas a una escala extrema.
A pesar de todos los estruendos del diseño de sonido del filme, uno fácilmente se puede imaginar a Emmirich en el trasfondo gritando “¿Creían que habían visto un desastre? ¡VEAN ESTO!”. Este enfoque resulta en un espectáculo escapista con lo mejor que tiene Hollywood en el departamento de efectos digitales.

Usualmente cuando una crítica comienza celebrando los efectos especiales de un filme, esa es la primera señal de que esa es una película que hay que evitar. Sin embargo, en el caso de 2012 los efectos especiales no son su único atractivo. Una de las sorpresas menos esperadas de este filme, considerando las ofertas previas de su director, es que esos efectos no terminan siendo un huracán de trucos sintéticos que se limita a sacudir los nervios del espectador.

Si Roland Emmerich y Michael Bay fueran hermanos, Emmerich sería el que no tiene miedo a llorar en público. Durante todo el filme el director demuestra una afinidad, conectada estrechamente con el tipo de entretenimiento escapista que Hollywood patentizó durante la década de los treinta, con el espectáculo. Y esto llega de la mano con una emotividad inesperada.

Todo esto es puesto en función con una trama extremadamente simple: el mundo se va acabar y no todos vamos a sobrevivir. La historia del filme comienza a desarrollarse cuando un grupo de científicos le informan al gobierno de los Estados Unidos que dado a unas emisiones solares el mundo va a sufrir un cataclismo en el año titular. Trabajando con los gobiernos del resto del mundo, estos diseñan un plan de contingencia para tratar de sobrevivir. El recurso central de este plan es una versión moderna del Arca de Noé.

El elemento primordial que hace que este filme funcione es una fórmula bien convencional: amarrar los sentimientos del público a varios personajes y entonces colocarlos en una situación extraordinaria que no todos van a sobrevivir. En este caso la figura central del filme es el personaje de John Cusack, un padre divorciado que accidentalmente se entera del plan para sobrevivir y hace todo lo posible para salvar a su ex esposa y sus dos hijos.

A diferencia de un filme como Transformers 2, 2012 le presta atención a sus personajes porque sabe que esas caricaturas (por que a pesar de la efectividad del filme esto es lo que son) son la conexión emocional con el público. Aún así, durante la última secuencia del filme el director no puede evitar abusar de un fracatán de clichés que ha utilizado varias veces en sus filmes anteriores.

La mejor manera para poder disfrutar de este filme es saber de primera instancia que lo que esta en pantalla no busca en lo absoluto reflejar algo de la vida real. Aquellos que no soporten los “embustes de película” podrían salir extremadamente irritados del cine. El resto del público se puede entretener con un filme donde el entretenimiento digital no aniquila el elemento humano.

It never fails to surprise me how some fellow film critics think their job gives the right to be snooty. Its not about how much vile you can print. Its about how your informed opinion might help out a moviegoer in making their selection. Anyhow, it’s hard for me to believe that I’m writing something where I’m defending a movie like 2012-but there you go that’s my inner snob talking. Anyways take a look at Variety review

It won’t be the first of negative reviews and it has nothing to do with any flaws (which there are some) the movie has. Within certain circles it might seem cool to look down on escapism as entertainment but for those who know a thing or two about film history, this film is steeped deeply in its tradition.

Like I mentioned before, if it weren’t for the CGI and the titular date this is the type of movie that represents Hollywoods sensibilities in the thirties, widely known as the golden age of cinema. To the modern eye, this might qualify as a big hunk of cheese. But then again there is something comforting about a movie that offers an escape to a world that bares no resemblance to our own and takes it’s characters seriously. Of course during the last reel Emerich can help himself and over does it, but that’s par for the course with him. (I’m still traumatized by the damn digital wolves in The Day After Tomorrow)

So sorry no go, this film can not be thrown in the same trash bin as Transformers 2. It’s no classic but it’s entertaining fun. What could possibly be wrong with that?

Come back later for an actual review and not a rant. As well as some interviews I will be posting later on tonight.

So I went and saw this flick last night and my first thought was that it was unfortunate that I went after all the hype about it’s unexpected success. But besides that, my reaction was very similar to the one I had ten years ago when I saw The Blair Witch Project. I was creeped out, the characters got on my nerves but I wasn’t truly scared.
The central concept of the movie is a couple who decides to put a camera in their bedroom in order to have “evidence” of the weird stuff that seems to be happening in the house. The movie is constructed to make the audience think they are watching the footage the couple left behind.Unfortunately, this “reality horror” does not prevent the writer/director from abusing dumb horror movie cliches.
If you stop and think about it, there are gigantic holes in the logic of the plot and the characters seem to loose their intelligence as the movie progresses and the entity gets more hostile.
The obvious defense against this criticism is that the movie is design as an experience to fry your nerves not to stimulate your brain. The movie does pray on anybody who’s ever been afraid when something goes bump in the night.
Still, when somebody warns you not to buy a Ouija Board, and you recently found out that your girlfriend is being stalked by a demon,-YOU DON’T BUY THE DAMM OUIJA BOARD!!!
But the intelligence of the characters, nicely portrayed by Katie Featherston and Micah Sloat, is sacrificed to get to the climax of the movie, which is the scariest scene in it. Too bad it only lasts about two minutes, a major no no for a movie that is being marketed as the scariest thing ever. The film works more as stunt than an actual scary horror movie.